2007. június 30., szombat

Xystus - Surreal

Előadó: Xystus
Album: Surreal
Genre: Progressive/Power Metal
2007
The Electric Co.








A Xystusról nem sokat lehetett eddig hallani, pedig már 1998 óta létezik. Alapítója Ivo van Dijk holland zenész, s mint tudjuk, a holland metal zene nem tartozik a legrosszabbak közé. Főleg nem ebben a stílusban. Gondoljunk csak az Ayreonra, vagy az After Foreverre, Within Temptationre, hogy az ismertebbeket soroljam csak fel. Viszont bevallom őszintén, az első albumukhoz, a Receiving Tomorrowhoz nem volt szerencsém, így az új lemezről, a Surrealról kicsit nehéz képet alkotni a zenekarról.
Az első érdekesség, amit hallgatáskor észre lehet venni, hogy a Xystus előszeretettel alkalmaz melodic, illetve szimfonikus elemek, sőt, gyakran kerülnek elő elektronikus témák is. Változatos zene, az biztos. A nyitó dal, a R.O.C. egy vonósokkal, és különböző billentyűsökkel alaposan megtüzdelt power metal darab. Meglepően jó kezdés egy albumnak, egy tempós, öt perces darab, egyetlen unalmas pillanat nélkül. Bas Dolmans hangja megfelelő ehhez a stílushoz: magas, érzelmes.
Ezt az első kislemeznóta, a My Chrysalis követi, aminek az indítása poprock dobtémával és akkordpengetéssel kezdődik. Ha ez maradna a dal, rendkívül könnyen eladható lenne bármely zenecsatornának, ugyanis erőteljesen hajaz a U2-ra. Viszont nem lenne ez a stílus, ha ez maradna végig. Míg a verzékben ez a poposabb, érzelmesebb rész van, addig az átvezetéseknél komoly zongoratémákat sorakoztatnak fel a zenekartagok, illetve Bas Dolmans megereszti a maga szólóját is, amely inkább power metalos, mint progresszív, viszont a gyors váltások emlékeztetnek arra a stílusra is. Ez a legkönnyebb darab a lemezen.
A harmadik dal, a Whole in Pieces heavy metalos riffel és vonósokkal indul, majd Pain of Salvation szerű, beszéd-társalgó bevezetővel folytatódik. A billentyűknek, akár tiszta, akár torzított formában is, de fontos szerepük van a dalban. A váltásokat, stílusbeli ugrásokat készítik elő, s mindeközben dallamosak, rendkívül megjegyezhetőek maradnak. Az album felvételekor Ivo van Dijk dobos foglalkozott a szintetizátortémák felvételével, ugyanis a jelenlegi billentyűst, Joris Van De Kerkhofot csupán néhány nappal ezelőtt vették fel a zenekarba.
Ezután egy gyors és rövid darab következik: a Run & Hide tipikus power metal nóta, csupán néhol kerülnek elő a vonósok. Viszont ennek a témája érdekes, ugyanis inkább képzelhető el horrorfilmben az a téma. Talán itt látszik a legjobban, hogy a Xystusban gondolnak arra is, hogy filmzeneként eladhassák a muzsikájuk, ugyanis ez a darab tökéletes lenne egy menekülős horrorfilmhez, vagy valamilyen pörgősebb akciófilmhez. Az énektémája nagyon egyszerű, a refrén már-már sajnos ötlettelen viszont.
Gyors tempóváltás után az ötödik szám, a Holding on to Better Days sokáig csupán vokállal és zongorakísérettel megy. Kicsit a pubzenékhez hasonlít, mikor a kocsmazenész odaül a zongorához, játszik rajta, és közben énekel. Bas Dolmans egy rendkívül jó énekes: hangja nem idegesítő, érzelmes. Ez a dal pont neki való. A nóta egyedül az utolsó néhány tízmásodpercre gyorsít be, mikor a többi hangszer is erőteljesen megszólal.
Ezt egy újabb gyorsabb, power metalosabb dal követi. A Voltage-en Ivo Van Dijk dobtémája igen változatos. Egyedül a gitártéma az, ami kicsit monotonnak tűnik, ugyanis egy-két riffet váltogatnak csupán. Viszont a szintitéma újra eltalált, egy olyan hangszínnel játszanak, amely, mikor előtérben van, nagyon emlékeztet a régebbi játékgépek pötyögésére, hangjára, s ezzel együtt ennek a külön stílusnak a nagymestereire, a Machinae Supremacy-ra.
A következő dal, az End of the Line újra poposabban indul, most a billentyűstéma emlékeztet erőteljesen a nyolcvanas évek elektronikus zenéinek témáira. A váltás most is hamar következik, de itt is marad - főleg dobtémában - egy kis játékos egyszerűség, illetve később is visszatér a felvezetőben hallott szintitéma. Egyedül a basszust hiányolom kicsit, a két gitár és a szinti nagyon elnyomja, pedig abból a néhány nagy nehezen elkapott hangból, amit Mark Brekelmans művel, nem tűnik az se rossznak.
Az utolsó előtti dal a This Brighter Kind Of Light újra visszatér a progresszív alapokhoz, és a vonósokhoz. Az énektémája kevésbé dallamos, illetve rengeteg a váltakozás a hangszerekben. A gitárosok kicsit több riffet játszanak, míg a szintetizátorból többféle hang is jön egyszerre. Ennél a dalnál viszont néha rosszul énekel Bas Dolmans, a magas hangok nem mennek neki, és ez ront az egész szám összhangján. A vonósok itt is nagyon jól el lettek találva, bár nem okoz akkora örömet/meglepetést, mint például a Visions of Atlantis esetében volt.
A záró dal hat részre, hat külön számra van bontva, amit Part 1-től Part 6-ig számoztak (értelemszerűen). Az elektronikus világa a Xystusnak itt hallatszik a legjobban, illetve itt vegyül leginkább a progresszív elemekkel. Ez a dalfelépítés egyébként eléggé szokatlan, ugyanis az több zenekarnál is előfordul, hogy egy dalon, azaz egy számon belül szöveg és zene alapján felosztják (például a már említett Pain of Salvation gyakran él ezzel a technikával), de az, hogy azokat külön számként is tüntessék fel, nem gyakran volt. Rendkívül sok a váltás benne, illetve a hosszú instrumentális részek. A zárórészben, a Part 6: It All Endsben pedig mintha szándékosan zárnák le az albumot. Érdekesen vegyülnek itt az akusztikus hangszerek, a progresszív/power metal elemek, és a szimfonikus zene.
A Xystus számomra egy hatalmas meglepetés. Viszonylag hosszú, 52 perces játékideje megfelelő ahhoz, hogy élvezhető legyen, de ne is legyen túl rövid. A Surreal valóban közel van ahhoz, amit jelent: szürreális, mindig kicsit több, mint az alapstílusok valamelyike, de nem túlzottan bonyolult, hogy ne lehessen érteni és élvezni. Csak ajánlani tudom mindenkinek ezt a remekművet. A hollandok újra bizonyítottak.

Értékelés: 89 %

Dalriada - Kikelet

Előadó: Dalriada
Album: Kikelet
Genre: Folk/Epic Metal
2007
Hammer Music Productions







A valaha Echo of Dalriadaként ismert zenekarnak egy demo és két stúdióalbum után végre megjelent a harmadik lemeze is Kikelet címmel. A zenekar leginkább a magyar népzenéből, illetve a magyar szépirodalomból táplálkozó gyökerei miatt ismert - gondoljunk csak a Fergeteg album Népdal számára, vagy Arany János verseinek megzenésítésére -, s ezt most se cáfolják meg. Sőt, hogy biztosabb legyen a folkosabb hatás, a zenekar felkérte Fajkusz Atilla hegedűművészt, hogy a vonósrészeket feljátssza az új albumra, ami egy rendkívül jó ötlet volt, a népiessége sokkal jobban kiüt így a lemeznek, s újult erővel indult meg, hogy magasabbra helyezze azt a bizonyos lécet, amit még ők maguk a Jégbontó című lemezzel állítottak fel. Hogy sikerült-e? Ha tovább olvasol, megtudod!
A nyitódal, a Búcsúzó azonnal az új hangszer, a hegedű berobbanásával kezd. Ez a nóta egy kuruc bujdosódal alapjaira íródott, így igen erőteljes a népies vonulata. Rieckmann Tadeusz dobos mintha egy kicsit több extreme metalt hallgatott volna az utóbbi időben, ugyanis a dobtéma szinte alig változik, állandó jelleggel egy gyors lábdob és cin témára épül. Egyébként ez - számomra érthetetlen módon - az egész albumon végigkísér, és nem túl sok fantázia van az új lemez dobtémáiban.
A folytatás, a címadó dal, a Kikelet folytatja tovább azt a tempót, amit a nyitószám már megkezdett. Binder Laura éneke van előtérben, s - ahogy a Dalriada zenéjében már megszokhattuk - a hangszerek igazából a háttérben maradnak, ritkán kerül szólóra sor, illetve megy túl az akkordpengetésen. Egyedül a Wales-i Bárdok dalciklusnál volt jellemző a zenekarra a hosszú, virtuóz jellegű zenélés.
Korábban is tudhattuk, hogy a Dalriada nem mindig hagyatkozik a dalok felépítésében a sablonokra, és a jól bejáratott témákra. A harmadik dal, a Vándor-Fohász népdalos, női énektémája és kísérő hegedűje után egy szokványosnak közel sem nevezhető refrén következik, amit főleg a férfi hangok éneklik Ficzek András vezetésével. Ilyen megoldást nagyon ritkán hallok, és azt kell mondjam, hihetetlenül jól sikerült, és rendkívül eredeti. Egyedül az őrült módjára vert dobok, illetve a refrénbe bele nem illő heavy metal sikolyhoz hasonlító ének nem tetszik benne, amúgy egy rendkívül precízen felépített dal.
Ezt a Táltosének követi, amelynek zongoratémája nagyon nagyon hasonlít a második dal, a Kikelet szintitémájára, illetve az éneke is hasonló, kicsit olyan, mintha kiegészítenék egymást, viszont a refrénje ennek is elég egyedi. Eddig a pontig kicsit hiányolom a csupán férfi énektémákat, például a Jégbontó Téli Ének dala is amiatt lett olyan különleges. Binder Laura jó, mint népdalénekesnő, de ahogy egyre haladunk az albumon, egyre inkább nyilvánvalóvá válik, hogy ehhez a folk metal stílushoz nem illik.
Viszont ez a népdal tudása a következő dalban jól jön, ugyanis a Néma Harangok erőteljesen népdalokból vett énektémákra épül. Az igazán jó rész benne a dal közepén lévő férfi/női éneklés. Tadeusz továbbra is eszetlenül veri a dobokat, nem nagyon találok benne semmi ésszerűséget. És ez zavaró, ugyanis a korábbi albumokon egy változatos, már-már progresszíven váltakozó dobolást hallhattunk, itt pedig néhány ütemre épül az egész, illetve rendezetlenül, nem túl szisztematikusan jönnek a cin témák is.
A hatodik dal, a Szentföld heavy metalos beütéssel, riffezgetéssel kezdődik, illetve gyors dobtémával, majd hegedű szólal meg. Azért itt nem üt akkorát a vonás hangszer, ugyanis szinte elbújik a többi hangszer dübörgése mögött, viszont lesz néhány jelentősebb 'önzőzés' is, ugyanis a billentyű és a gitár is központba kerül az átvezető részeknél, és végre Ficzek András is énekel. Csak ne lenne annyira bizonytalan.
Ezt követi a Tűzhozó, amely egy gyorsított Wales-i Bárdok témára emlékeztető billentyűssel indul. A verzéje rendkívül egyszerű, női énekre épül, igazából ennek a dalnak is a refrénmegoldásai jók, illetve nem sokkal a második perc előtt a másodpercnyi megszakítások fokozzák az egészet. Hogy tovább fokozzuk az első demolemezükre való utalást, a két és feledik percnél csemballóra emlékeztető hangmodulra vált Kurz András, a billentyűs, ami már a Wales-i Bárdoknál is megjelent.
A nyolcadik dal a leghosszabb az albumon. Az átlag 4 és fél perces számok között a több, mint 7 perces A Tavasz Dala igen kirí. Ez az egyetlen dal, amelynek a dalindítása emlékeztet valamelyest az Ensiferumra. Megjelennek a szövegben a tipikus magyar motívumok: rabság/szabadság, sólyom. Tadeusz továbbra is kicsit erősebben dobol, mint amit a dal megkövetelne, ugyanis egy alapjában lassú témájú nótához gyors ritmust diktál.
A kilencedik, záró dal pedig a Jégbontón hallott, megzenésített Arany János vers, a Szondi Két Apródjának folytatása. Bennem hatalmas felháborodást keltett, hogy a két dal között kimaradt egy versszak az eredeti műből. Nyugodtan bele lehetett volna szorítani pedig. Zeneileg pedig néhány ponton követi az első részét, de egyébként a Dalriadatól a Wales-i Bárdok ciklusban megszokott módon kapcsolódnak egymáshoz a dalok. Tadeusz dobolásánál pedig most éreztem igazán, hogy elvesztette az ütemet, és a dobtéma - amely kivételesen illene a dalhoz - egy ütemmel előrébb van, mint a többi hangszer.
Igazi kettős érzést keltett bennem az album. Elsősorban sikerült néhány hibájukat kijavítani, például már nem kezdenek rendezetlenül énekhangokat váltogatni, így nem jön be rosszkor a hörgés, vagy nem vált pontatlanul a tiszta ének. Viszont helyette ott van a rendezetlensége a dobtémáknak. Binder Laura éneke nem nagyon tetszik továbbra sem - és nem az nem tetszik, amit énekel, hanem ahogyan teszi azt, míg Ficzek András rendkívül bátortalan, bizonytalan e téren. Ezzel szemben pedig a hegedű hatalmasat lendített a zenén. És, hogy miért hagyták ki ezt a versszakot? Talán egyszer megtudjuk.

Értékelés: 86%
A kimaradt versszak:
„Serbet, füge, pálma, sok déli
gyümölcs,
Mit csak terem a nagy szultán
birodalma,
Jó illatu fűszer, és drága
kenőcs...
Ali győzelem-ünnepe van ma!”

Impaled Northern Moonforest - Impaled Northern Moonforest

Előadó: Impaled Northern Moonforest
Album: Impaled Northern Moonforest
Genre: Black metal parody
1997
Menace to Sobriety Records





Igazából ez nem is egy kritika lesz - mit lehet kritizálni egy hasonló, kiemelkedő black metal albumon? Semmit. Az Impaled Northern Moonforest poénnak indult, és az is maradt. Anal Cunt tagok, Seth Putnam és Josh Martin valószínűleg elfelejtették bevenni azon az 1997-es napon a gyógyszereiket, aminek hatására megalapították az Impaled Northern Moonforest nevű black metal zenekart, és a Impaled Northern Moonforest nevű albumukat még aznap felvették egy kazettára. Összesen 13 dal hallható rajta, majdnem 16 percnyi játékidőben. A dobokat Putnam játszotta a saját térdeit ütögetve, míg Martin hörgött és gitározott hozzá - egy félrehangolt akusztikus gitáron. A dalok egyikének sincs értelmes szövege, ennek megfelelően nagyon hallani se lehet semmit, csak krákogást és hörgést. A dalcímeket egy részt a Grim and Frostbitten Kingdoms című Immortal dalból kreálták, másrészt a két értelmi szerző úgy gondolta, hogy egy black metal album számlistájának olyan címeknek kell szerepelniük, amik minél hosszabbak, brutálisabbak, de nem szükséges értelmet keresni benne. A zene pedig... Érdekes, azt kell mondjam. Jól visszaadják a black metal lényegét, illetve vicces is a WC-n való erőlködéshez hasonlító vokál, és a szó szerinti lábdob még tényleg vicces is.
Kellett ilyen is. Görbe tükör a norvég black metal szín elé. Ha nem is szükséges, hogy tanuljanak a zenekartól, azért elgondolkodni el lehet rajta, mennyire egy síkon fut néhány hasonló stílusú zenekar gondolkodása. Már csak annyit tudok mondani, hogy: Awaiting The Blasphemous Abomination Of The Necroyeti While Sailing On The Northernmost Fjord Of Xzfqiiizmtsath.

Értékelés: Ehhez?! Pff. Nem muszáj ehhez.

Tritonus - Mivé tettek?!

Előadó: Tritonus
Album: Mivé tettek?!
Genre: Heavy/Thrash Metal
2007
Saját kiadás






Ez nem egy politikai blog, ezért nem szeretnék a jelenlegi politikai helyzetről hosszú eszmefuttatásokat írni, mégis, kénytelen vagyok ezeket az áldatlan állapotokat megemlíteni. Ugyanis a Tritonus zenekar témái nagyrészét a társadalom, politika és a média aktuális problémáiból meríti. Ha külföldön lennénk, ez már azonnal minimum egy 30 %-os eladásnövekedést jelentene minden tekintetben - lássuk csak a Porcupine Tree legújabb albumát, a Fear of the Blank Planetet -, viszont itthon, Magyarhonban nem üt akkorát. Nem is üthetne.
A Tritonus 1999 óta most jutott el oda, hogy albumot adjanak ki. Ez a Mivé Tettek?! címet viseli. Dalainak témája - általában - a fent említettek valamelyike. A nyitó dalnál, a Szószegőknél kicsit fogtam a fejem. Nem éppen a legjobb minőségű a felvétel, illetve korai Tankcsapda és Metallica-hoz hasonlóan a keverés egy kicsit bajosnak tűnik. Rendkívül egyszerű riffekből, illetve basszustémából épül fel. Az énektől viszont nem szálltam el. Szekeres Zsolt bár hozza a minimumot, az vokál lehetne kicsit fantáziadúsabb, illetve kicsit változatosabb.
Ezt a Ki a Nagy Ő? követi, laza dob/basszus bevezetés után riffelés jön, majd a vokál. A legnagyobb problémám az, hogy nagyon hasonlónak érzem az énektémát az előző dalhoz. Nem nagyon tudom hova tenni ezt a stílust. Ugyanis eddig nem túl sok thrash elemmel találkoztam, viszont a hétköznapi értelembe vett heavy metalba se tudnám elhelyezni - és ez tetszik. A kicsit hard rockos, heavys keverés magyar módra inkább bejön, mint a hasonló próbálkozások a finneknél.
A harmadik nóta a címadó dal, a Mivé Tettek?! Talán ez a legtechnikásabb, legváltozatosabb az albumon. Metallicára emlékeztető kezdés után kicsit korai Tankcsapdára emlékeztető riffek jönnek, majd talán a legjobb szóló az albumon. Az ének is változatosabb, bár a lágyabb résznél a dal elején nagyon bizonytalannak éreztem.
Ezt a Kedvenc követi, amely tempóját nézve visszatér az első két dal hagyományaihoz. Azért itt már kezdtem érezni, hogy néhol túlságosan is egybemosódnak a dalok. Semmi baj a riffeléssel, az éneket már megszoktam, a dobtéma se rossz, viszont majdnem ugyanolyan, mint a Ki a Nagy Ő? Viszont az a heavy metal sikoly nem kellett volna a végére. Meglepő volt, mindenesetre.
Az utolsó "új" nóta a Fájdalmam. A gitártéma egész jóra sikerült, kis riffezés, kis szóló.
Az albumot egy 2006-ban felvett nóta, a Jelen zárja. Témáját tekintve erőteljesen az akkori zavargásokra vezethető vissza, rengeteg utalással a politikai hovatartozásra. Az albumot tekintve nem rossz dal egyáltalán, rengeteg váltással, torzítással és hangszínváltással.
Igazán sajnálom, hogy a Tritonust pont a Nova Prospect után hallgattam meg - így igencsak hátrányos helyzetbe került. Viszont valóban vannak a Tritonusnak hiányosságai, illetve kicsit túlságosan is egyformák a dalok a Mivé Tettek?! lemezen. A dalok témái nem is leptek meg, ugyanis a bemutatkozásukban azt írják, idézem: "A hazájáért és a határokon túl élő magyarokért felelősséget érző kecskeméti heavy-thrash metal banda vagyunk.", így szinte magából adódnak a szövegek. Mindez ellenére élvezettel hallgattam meg a Mivé Tettek?! lemezt, remélem hamarosan jobb minőségű anyaggal is előrukkolnak.

Értékelés: 75 %

Nova Prospect - Főnix

Előadó: Nova Prospect
Album: Főnix EP
Genre: Electronic/Heavy Metal
2007
Saját kiadás







A Nova Prospect a harmadik magyar zenekar, akiknek a megismerését a fatális véletlennek köszönhetem. Ahogy a Dreyelands zenekarnál is volt, itt is azon a bizonyos közösségi portálon lettem bejelölve. És mondja valaki ezek után, hogy semmit nem ér az az oldal. Alaposan tanulmányozni kezdtem a profilukat, majd a MySpace oldalukat is. Először furcsának tartottam azt a koktélt, amit a zenéjükhöz kevertek - tiszta metal zenéhez hiphop, dnb és jungle stílusjegyeket házasítottak -, de már az első lejátszásnál szertefoszlott minden kétségem. Ezen stílusok épp a megfelelő arányban vegyülnek, aminek az eredménye egy progresszív hangzású, elektronikus rockzene.
A Főnix EP (sajnos) igen rövid: csupán négy számot tartalmaz, játékideje pedig közel 16 perc. Viszont cserébe ez idő alatt - és az esetleges újralejátszások alatt - garantáltan nem fogunk unatkozni. Egyedüli bajnak a nem éppen a legjobb minőségű hangfelvételt tartom, viszont egy ilyen fiatal zenekarnál ez legyen az utolsó probléma, amit meg kelljen oldaniuk.
A lemezt a címadó dal, a Főnix nyitja, ami fokozódó billentyűtéma után bombaszerűen robban. A gitárok inkább a háttérben maradnak, nem irányítanak, nincsenek figyelemfelkeltő szólózások, csupán akkordpengetések, majd ránkszakadnak az első énekdallamok is. Besnyő Gabriellánál úgy érzem, mintha bele született volna a stílusba. Hangját igazából nem tudom máshova tenni, csupán az egyedi kategóriába. Végre nem egy operatikus, nagyzós dívajelenség, de nem is jellemtelen hörgés. Schautek Bálint sampleres szolgáltatásai is kiválóak, szépen vezetik át a verzéket a refrénig. Kiemelném a fent említett zenész, Schautek Bálint dalszövegírását is, ugyanis a Főnixben érzek valami rendkívüli játékosságot a szavakkal, amit eddig nem gyakran hallhattam.
A Főnix lendületét folytatja a következő dal, A Legnagyobb. A dobtéma itt lágyan festi alá az akkordozást, miközben Besnyő Gabriella hangja varázslatosan ellepi a környezetet. A vokál dallama emlékeztet a modern Fates Warningra, nevezetesen néhány ponton a FWX albumról az Another Perfect Day-re. Sokkal kevesebb az elektronikus elem, emiatt egy kicsit inkább heavy metalosnak érzem a nótát, mégis, személyesen - főleg a refrénje miatt - én ezt kedvelem a legjobban.
A 1000000 Nap című dal már inkább kevertebb: egy lazább, poprockosabb gitárfelvezetés után hirtelen torzítás, és kis billentyűzés lép a képbe. Az elektronikus hangok, hangaláfestések egy kicsit keleties világok fest elém, illetve az ének is jobban elkanyarodik a szokványos, tiszta metal vonaltól, és hol a dnb, hol a hiphop stílusával keveredik. Viszont a gitártéma egy cseppet power metalos, ami végülis nem probléma, ezzel is változatosabb lett.
A záró dal, az Ébren Álmodunk pedig talán a legtöbb elektronikus elemet felvonultató szerzemény, néhol a The Dust Brothers által szerzett Fight Club (Harcosok Klubja) filmzenéjére emlékeztet. A gitártéma néha már funkysra sikerült. Igazából ezt tartom a legpopulárisabbnak az összes nóta közül, ugyanis a durvább részek se metalosak annyira, hogy egy szélesebb réteg ne fogadhatná be. Ami, természetesen, nem jelenti azt, hogy rossz.
Mit is mondjak még? Teljesen a hatalmába kerített. Az eddig megismert kezdő magyar zenekarok közül messze a legeredetibb, legjobb kezdeményezés a Nova Prospect, s teljesen megérdemeltnek tartom a Wan2 tehetségkutatón elért helyezésüket. Úgy vélem, a zenekar többi tagja sem maradhatnak ki ebből a kritikából, ugyanis Kiss Dániel (dobok); Kiss József (gitár); Pásztóy Balázs (basszus) ugyanolyan szerves részei ennek a muzsikának, s így, együtt alkotják azt, amit ma Nova Prospectnek nevezünk, s remélhetőleg, később is annak fogunk nevezni. Kivéletesen úgy érzem, hogy EP ellenére nem nehéz értékelni a lemezt.

Értékelés: 96 %

2007. június 29., péntek

Visions of Atlantis - Trinity

Előadó: Visions of Atlantis
Album: Trinity
Genre: Power/Symphonic Metal
2007
Napalm Records







A Nightwish hatására rengeteg zenekar jött létre. Elég csak a Within Temptation-re, az Edenbridge-re, vagy a jelenleg nagyító alá kerülő Visions of Atlantisra gondolni, akik egyébként sógorok nekünk, ugyanis egy osztrák bandáról van szó. Ahogy az Excalionnál is, itt is elgondolkodtam, hogy kell-e nekünk ennyi hasonló zene? S visszagondoltam a VoA korábbi két albumára, amely egyértelműen Nightwish utánzat volt, kevés egyediséggel. Azóta viszont történt egy kis felfordulás a zenekarban: a teljesen Tarja hangjához hasonlító Nicole Bogner elhagyta a zenekart, akinek a helyére Melissa Ferlaak került az Aesma Daeva-ból, ami azért nagyobb garanciát jelentett az egyediségre. Aki nem tudná, az Aesma Daeva nem csupán symphonic metalt játszik, de a Nightwish kliséit elkerülve teljesen operatikus zene.
A nevéből is adódó harmadik lemezzel a VoA elhatárolódik a gothic zenétől is. Kevésbé jelennek meg a sötét elemek rajta. Míg Nicole-lal a férfi énekes magasabb, inkább érzelmesebb hangja nem alkotott erős párost, addig a Mario Plank - Melissa duó már sokkal inkább kiegészíti egymást. Nem szokás hinni a beharangozásoknak, viszont így, hogy a fél zenekar lecserélődött, reménykedtem magam is egy kis fordulatban a zene terén.
A nyitó dal, az At the back of Beyondban Melissa szinte azonnal bizonyíthatja, hogy képes nem csupán operatikusan énekelni. Gyors tempójú, tipikus power metal dal, megkapó, fülbemászó, az énektéma pedig nem nem emlékeztet erőteljesen a Nightwishre. Most így, hogy két különböző hang szólal meg, sokkal egyedibbnek érzem. Mostmár viszont a szintetizátortémát helyenként inkább Mother Earth féle Within Temptationre emlékeztet.
Ezt a The Secret című szerzemény követi, amely szintén inkább WT indítású, viszont sokkal szimfonikusabb, és a hárfa hangja rendkívül jó benne. Egyszerűen imádom, mikor Mario és Melissa együtt szólalnak meg. Itt érezhető talán a legjobban, hogy kiegészítik egymást. Ebben az első két dalban inkább az énekesnő kapott szerepet, többet lehet őt énekelni hallani. Igazából a többi hangszer alap power ritmust játszik, viszont a dobtéma sokkal fantáziadúsabb, mint az Excalion esetében.
A harmadik dal, a Passing Dead End viszont inkább poposabb, melodikusabb, könnyű, fülbemászó dallamokkal, nem túl bonyolult gitárral és szintetizátorral. Egyedül az nem tetszik benne, ahogy Tarja-szerűen Melissa a gitárszóló előtt 'óóó'-zik.
Idáig az albumot rendbennek éreztem, viszont semmi kiemelkedő nincs benne. De, legalább már inkább egyedibb. A következő dal, a The Poem egy lassabb témájú nóta, ahol Marionak több szerepe van énektémában. Egyedül talán ez emlékeztet néhol gothicos témákra. Megfelelő arányban vannak benne váltások is, gyakran lesz lágyabb rész, amikor csak egy-egy hangszer szólal meg, illetve Melissa éneke.
Az ötödik dal, a Nothing Left kicsit Excalionszerűre sikeredett, olyan értelemben, hogy ahhoz hasonló, indító gitártémája van, iletve a háttérzene se nagyon fantáziadús. Ez inkább picit hardrockosabb dal, illetve kevésbé jellemző rá a melodikus metal. Viszont a végén - ugye, Excalionosan - van egy szép gitárszóló.
A hatodik dal a személyes kedvencem. A My Dark Side Home lágy zongorával kezdődik, amire csatlakozik a gitár és a dob, később vonósok is. Ez egy igen jó power metal dal, a két énekhang aránya szinte tökéletesen eltalált. Csodálkoznék, ha nem lenne belőle klipnóta, ugyanis megérdemelné: eladható, de közben kemény is, és egyedi is. Pörgős dobtémája, s hozzá jól basszusdallama, illetve az előtérbe kerülő vonósok kiemelik az összes dal közül, amit az újra lágy befejezés tesz egésszé.
Ezek után mi jöhet? Hát az előző album kislemezének a sablonja újra. A Wing-Shaped Heart kicsit a Lost dal témájára épül. Ez is gyors, inkább férfiénekközpontú, operatikusabb női hangú darab, fülbemászó refrénnel, melodikus befejezéssel.
Ezt egy kisebb tempóváltás követi, ugyanis Aesma Daevahoz hasonló, lassú, zongorakíséretes, operás dal következik. A Return to You-ban érződik leginkább az az operatikus hatás, s emiatt talán kicsit túl Nightwish-es is. Nem vagyok nagyon a pop-opera, muzical és az opera világában, de az énektéma nagyon emlékeztet valamire, talán Sarah Brightmantől hallotam valami hasonlót. De meg kell mondjam, Melissának jobb a hangja nála.
A kilencedik téma, a Through my eyes újra inkább gothikusabb. Kicsit feldúlt énektémájú, illetve a vonósok is inkább thrillerszerűen váltakoznak. Nem rossz, középtempós nóta, szintetizátorban ismét kicsit emlékeztet a Within Temptation-re. Viszont monoton és fantáziátlan, talán a legunalmasabb nóta az egészről, illetve kitöltő dal.
A következő, a Flow this Desert újra Melissáról szól inkább. A dobtémáját kicsit fantáziátlannak érzem, viszont a váltások nagyon jók, illetve a hangszeres átvezetők. A dal végére egészen gyors lesz a tempója.
A befejező dal, a Seven Seas ismét egy remek nóta. Rengeteg váltással, fülbemászó énektémával. Nem túl gyors nóta, így megfelelően levezeti az amúgy elég pörgős korongot. Kicsit emlékeztet a Nightwish-re, de ezt betudtam az énektémának.
Mindent összevetve sokkal de sokkal egyedibb album lett a Trinity, mint eddig bármely másik Visions of Atlantis lemez. A tagcserék jól sültek el, főleg a női énekesi poszton. Ez az album sokkal inkább érettebb, kevésbé erőlködős, mint az előzőek. Azért a sógoraink is tudnak valamit, nem csak az északi rokonaink.

Értékelés: 83 %

Excalion - Waterlines

Előadó: Excalion
Album: Waterlines
Genre: Power/Melodic Metal
2007
LIMB Music






A finnek igazán kitesznek magukért, ha rock/metalról van szó. Rokonaink csak úgy öntik magukból a zenekarokat. Ami nem biztos, hogy jó, illetve gyakran megy a minőség és egyediség rovására. Én értékelem a barátaink törekvéseit, illetve elfogadom, hogy - valószínűleg - Finnországban aki életében egyszer legalább nem ad ki power/melodic metal albumot, ezt kitagadják, sőt, próbálok jó arcokat is vágni az Athena vagy Afterworld játékához, illetve a Stratovarius mélyrepüléséhez és a Nightwish poposodásához. Azért van egy határ, amikor azt mondom, sok. Mikor 2006-ban a Lordi megnyerte az Eurovíziós Dalfesztivált, tudtam, hogy a stílus - leginkább a hard rock szerűek - reneszánszát fogja élni. Ezt a hullámot meglovagolva érkezett meg az Excalion együttes új albuma, a Waterlines. Az Excalion egyébként nem a legfantáziadúsabb zenekar a szakmában: dalaikban néhány helyre bepöttyintenek egy-két gitárszólót, az énekes igen magas - mondhatnánk úgy, hogy hereszorító - hangú, és erősen emlékeztet Timo Kotipeltora, a Stratovarius énekesére. Dalaik melodikusak, poposabbak, illetve a Waterlines-ban néhol hardrockosabbak. Hát igen, a Lordi sikerét meg kell lovagolni. Egy szóra visszatérve az Eurovíziós Dalfesztiválhoz: persze, hogy egy soft-Nightwish-női-Lordi "zenekart" küldtek ki. De hát tudjuk meddig tart a csoda.
A Waterlines külsőleg egy igen erős Stratovarius utánzatnak tűnik: a borító szisztémája az Infinite albumukra emlékeztet, ami nem rossz, ugyanis a stratótól az a kedvenc kiadványom. Az első dal, a The Wingman-ben sikeresen átestem az első sokkon: eddig azt hittem, hogy Timo Kotipeltonál nincs idegesítőbb énekes a világon. Tévedtem. Jarmo Pääkkönen ebben is jól tanult: hihetetlenül falsettora emlékeztető, erőltetett magas hang, amit néha rekedtté csap át. Az egész téma pedig itt még power témájú: egyszerű basszus, gyors dobok, és egy kis szólózás a végén. A förtelmes kezdés ellenére be kell látnom, hogy Vesa Nupponen gitárjátéka viszont nem is olyan rossz. Egyszerű, de zúzós szólóval durran be a dal végén - ugyanis alapjában véve nem nagyon tűnik ki a gitárhangzás, így észre se lehet venni.
A következő szám, a Life of Fire már inkább Hard Rockosabb, kicsit nyolcvanas évekre emlékeztető riffekkel illetve 'ááá'-zó kórussal. Viszont a refrén - a háttérvokált leszámítva - beleillene egy Hellfire Clubféle Edguy nótába is. Itt már túl voltam a sokkhatáson, így félig-meddig élvezettel hallgattam ezt az amúgy fülbemászó albumot. Kiemelni viszont nem nagyon tudok mit.
A harmadik nótából készült már klip is: a Losing Time a lehető legpoposabb metaldal, amit életemben hallottam. A vokál nagyon emlékeztet valamire, ami így hirtelen nem jut eszembe, hogy mi lehet - pontosabban talán nem is ismerem az előadót és a címet, csak valamikor hallhattam a rádióban egy hasonlót. Dobtémában Henri Pirkkalainen nem alakít valami nagyot. A stílus minimumát hozzá, de semmi többet. Talán még egy picit kevesebbet is. Furcsa, de mégis ez a dal jön be a legjobban. Nem tartom annyira irritálónak az éneket - pont a dallamvonala miatt -, a gitárszóló szinte beszél a végén (természetesen, máshol nem lehet az Excalion dalstruktúrában), csak az a háttérvokál ne lenne. És hogy miért nem hardrock-nak tituálom, ha már popos? A Lordi azért ilyen gitártémát még nem használt fel.
Ami közös a két zenekarban mégis, hogy ott van a billentyű, szintetizátor, mégis, néhány nótában lehet csak hallani, akkor is talán felvezetni azt. Ahogy az Ivory Tower-ben is történik. Miután megtörtént a gitár behatolása, Jarmo Myllyvirta tisztelettudóan meghúzódik a háttérben, és orgonahangzással néhány aláfestőhangot nyomogat.
A következő dallal, az I Failed You-val egy kicsit sötétebb témába térünk át, amit hatalmas orgonaszóhoz hasonlító szintetizátor vezet fel. Ezzel együtt kicsit lassul is a tempó, még ha nem is nagyon. Kicsit úgy tűnik, mintha Jarmo Pääkkönen nem igazán tudna elszakadni néhány énektémától, és azok véges vegyítésével írták volna meg a dalokat. Én ehhez a témához azért egy kicsit még lassabb tempóra váltottam volna, illetve több helyet hagytam volna egy zongora-gitár duettnek.
Az ezt követő Arriving as the Dark rendkívül hardrockos nóta, egyszerű, fülbemászó refrénnel, gyors, egyszerű dobtémával, illetve nem nagyon fantáziadús gitárral. A munka nagyobb részét továbbra is az ének viszi el - hihetetlen, hogy hogy lehet ennyire közepes éneklés köré építeni. Viszont talán ebben a nótában hangzik el a legjobb szólója Vesa Nupponen gitárosnak. A dobtéma viszont elmenne bármely kilencvenes évek poprock nótájába is. Ennek a dalnak lesz egy érdekessége, de erről később.
A hetedik dal, a Streams of Madness durván punkos beütéssel indul, illetve egy kis szintipopos dobtéma is keveredik bele. Igazából rendkívül unalmas egy nóta, nem bírtam ki sok hallgatásig, hamar át-átlépkedtem rajta.
Ezt a Delta Sunrise követi. Popkultúra embereknek már valami be is ugorhatott. Hetvenes évek, Helen Reddy, Delta Dawn... Címben elég erőteljesen utalnak egymásra. Viszont ennél több közös nincs bennük. Talán ez a leglassabb, legballadikusabb nótája a Waterlines albumnak. Nem lenne rossz, a dallama igen fülbemászó, csak annyira fájdalmas, hogy az énekes próbál érzelmesen énekelni. Nem akartam nagyon szidni szegény Jarmo Pääkkönent, de komolyan ennyire rossz.
Lassan vége, jön akilencedik dal: hardrock téma ez a javából, amely később beerősödik és középszerű power metal lesz. Kicsit ilyenkor már kezdtem hiányolni a basszust, nagyon nem lehet belőle semmit hallani az egész albumon. A Between the Lines nem mondható túl rossz nótának, talán a második legjobb az albumról. A végén lévő szólózás viszont már unalmas: úgy tűnik, mintha az Excalion ezzel próbálná kicsit változatosabbá tenni az albumot. Kevés sikerrel.
A tizedik dal, a Soaking Ground meglepően jól kezdődik. Akusztikusan, kicsit Nightwishesen, majd egy kis gitár-ének-zongora téma után keményít csak bele, viszont a lassú dalkezdethet kicsit talán túlságosan is felgyorsul a tempó. A szóló se maradhatott ki, illetve az egyetlen progresszívre emlékeztető elem, a gyors váltás vissza az akusztikus témára. Ezzel kicsit Ayreonra emlékeztet, de csak éppen kicsit. Sajnáltam, hogy a végén újra beerősít, valahogy ott az akusztikus rész végén, az ötödik perc környékén én már éreztem, hogy ott kéne vége lennie.
És most jön az érdekesség, ami nem is annyira az. Az Arriving as the Dark című dal anyanyelven, azaz finnül is felkerült a korongra. Bevallom, egyáltalán nem tetszett, hasonlított így a Teräsbetonira, annyi különbséggel, hogy amaz sokkal de sokkal jobb ennél.
Összességében? Nem igazán tudok túl sok jó dolgot mondani a lemezről. Sajnálatosnak tartom, hogy ennyi amatőr zenekar, illetve már nem amatőr, de még nem is profi kap ekkorának mondható lemezszerződést Finnországban. Válogatni kéne azok között, kik azok, akik megérdemlik, és kik azok, akik nem, hogy megjelenjenek. Az Excalionnal javulnia kell. Rengeteget. És egy énekescsere sem ártana. Bár, ha talán megtanulna néhány új technikát Jarmo Pääkkönen, akkor lehetne egy egész jó Kotipelto belőle. Persze tudom, Finnországban nagyon is eladható, olyan hatalmas nevekkel a stílusban, mint a Stratovarius, Sonata Artica, vagy a poposabb piacon a hanyatló Nightwish. Ha belegondolok, talán a LIMB, mint kiadó, a Lordi sikerén kívül a Nightwish pénzügyi trónját követelő találmánynak vetette be az Excaliont.
Még egyetlen dolog: eszem ágában sem lett volna megemlíteni a progresszív elemét az utolsó előtti nótának, viszont a Last.fm nevű zenei közösségi portálon láttam, hogy valaki "progressive metal"ként címezte meg. Tudom, hogy sok hülye létezik ott, de azért, hogy többségben legyen? Az Excalionnak egyelőre nem sok köze van a progresszivitáshoz, és nem is hiszem, hogy lesz.

Értékelés: 75 %

2007. június 23., szombat

Ayreon - The Human Equation

Előadó: Ayreon
Album: The Human Equation
Genre: Progressive Metal
2004
Inside Out








Szerkesztői jegyzet: Ezt a kritikát a http://ayreon.extra.hu/ magyar nem hivatalos
Ayreon Fansite-ra írtam, így stílusban eltér az eddigiektől, viszont talán eddig
ez a legjobb írásom.



Volt szerencsém az összes Ayreon albumhoz, bár igazából csak 2004 óta ismerem, mikor is egy kedves ismerősöm az orrom alá dörgölte a The Human Equation-t, azzal a mondattal kísérve: "Ha nem hallgatod most azonnal meg, holnapra hulla leszel!". Kedves, tudom, és én 'meg is ijedtem', úgyhogy azonnal elkezdtem játszani az albumot, és azt vettem észre, hogy haver már unalmában alszik a fotelben, ugyanis már legaláb b harmadjára kezdem az egészet előről. Ilyen bemutatkozás után szép lassan (kb 2 nap alatt) beszereztem az összes többit, s azokat is meghallgattam. Mindegyiknek megvan a maga Arjenisztikus hatása (ugye milyen szép szó?), úgyhogy, ha lenne 10 bármilyen másik zene, és mellette akármelyik Ayreon album, tuti azt választanám.

A The Human Equation merőben más, mint az eddigi összes Ayreon. A korábbi 5 album nagyobb részt fantasy/scifi témájú koncepción alapult, amely miatt kiérdemelte a Space Metal Opera 'műfaji' elnevezést is. És persze, a megszokott, torzított anima/atari illetve filmes szinti hanghatások is kísérték ezt az űries hangulatot. Az Actual Fantasy-n kívül az összes album koncepciós, mégis az AF-s is beleillik ebbe az eddig 6 albumon tartó eposzba. De ez csak a köntörfalazás volt:a The Human Equation témája EMBERI. Realisztikus. Van 'Me', azaz 'Én', az album fő karaktere, akit James LaBrie (Dream Theater, Mullmuzzler) személyesít meg, és aki érthetetlen módon, fényes nappal, forgalom hiányában misztérikus autobalesetet szenved, és kómába esik. Ott van mellette a Wife, azaz a Felesége, akit egy eleddig ismeretlen, csodás hangú, és gyönyörű nő személyesít meg: Marcela Bovio (Elfonía, Stream of Passion), és a legjobb barátja, akit maga Arjen Anthony Lucassan játszik (Ayreon).Szóval, a főszereplő kómában van. Mivel, nem túl sokunknak van ilyen traumában "szerencséje", így nem is tudhatjuk, valójában mi történik, és ez adja ennek a lemeznek a szépségét, hogy el is hisszük, amit mond. A szerencsétlen szereplő tehetetlen állapotában megszólal önmaga, azaz a lelke, darabokra szakadva. Szerelem (Heather Findlay), Félelem (Mikael Akerfeldt), Ok (Eric Clayton), Büszkeség (Magnus Ekwall), Gyötrődés (Devon Graves), Szenvedély (Irene Jansen), és nagy kedvencem, a hihetetlenül brutális, beteg, mégis szintén zseniális Devin Townsend jelenik meg, mint félelem. Ha ezek a teljesen összeillő hangpárok nem lennének elegek, még ott van a gonosz apát játszó Mike Baker is.A dalokban pedig, akár egy ókori drámában, egymást követve, válaszolva szólalnak meg a különböző dimenziók: gyakran válaszol 'Én' a 'Legjobb Barát' és 'Feleség' kérdéseire, panaszaira, félelmeire, sőt, maguk az érzelmek is hozzátesznek valamit, így téve teljessé egy összetört ember tusáját élet és halál között.Ugyanis ez már agónia: A James LaBrie játszotta szerep gyakran lép át majdnem a másik oldalra, ugyanis, felfogva saját életét, tetteit, szeretné megkímélni a világot a tetteitől. Ő járult hozzá, hogy a Legjobb Barátját elbocsássák állásából, és látta, ahogy a Barátja és felesége közeli kapcsolatba kerülnek, ahogy ő elhanyagolja őket.Az albumot húsz szám fedi: mindegyik dal egy-egy napot jelöl, tehát a koncepció egyszerű, könnyen érthető, mégis, rendkívül különleges.Egyik legjobb produkcióként Devin Townsend-et emelném ki, amely tulajdonképp egymagában megnyerte a szavazást az albumnak. Devin, aki ismeri, tudja, hogy a Steve Vai albumán tett 'látogatás' óda csupán saját melódiákat és szövegeket hajlandó énekelni, s Arjennek 'teljes szabadságot' kellett ajánlania a géniusz társának, hogy megnyerje az albumhoz. Mindenki hallgassa meg a Pain-t, a School-t, és a Loser-t, és döntse el: megérte-e? Mert szerintem igen. Életemben nem hallottam olyan beteg, horrorfilmbe illő, félelmetes sikolyt, mint a Loser végén van. Egyébként az írott szövegei is zseniálisak Devinnek. Ayreon színességét itt is a stílusok keveredése tökéletesen mutatja: A Playground című nóta egy egyszerű, instrumentális, kelta folk elemekkel átszőtt mestermű, míg a Hope az egyik legfülbemászóbb, legjobb nóta az albumon. A Hope eleve különleges: az egész dalban csupán az utolsó fél percben jelenik meg gitár, először akusztikus, majd elektronikus formában, és az egész szám egy dallamos szinti-basszus kombinációra, és a melodikus énekre épül, amelyet lágy 'háttérzajként' követ Ed Warby dobolása.További kiemelkedő dalok közé sorolhatjuk a Loser-t. Szintén folk, de már inkább ausztrál-polinéziai hangzású elemekkel indul, amelyet egy igen különleges, 12 húrú, azaz 6 páros húrú lantszerű hangszer követ, s mint egy bomba, úgy robban be az igazán agresszív része a dalnak. Vendégként megjelenik Ken Hensley is, aki a legendás Uriah Heep-nek volt a billentyűse, s egy igen technikás Hammond orgonaszólóval tananyaggá formálja a dalt, és a befejező, Devin Townsend sikoltás már csak hab a tortán.Apropó, zenészek! Arjen a gitárokat nagyrészt maga játsza el, de neki se sikerült volna a segédzenészek nélkül. Már a második Ayreon albumon Ed Warby püfölte el a dobtémákat, s a folkos hatásokat csellisták, hegedűsök, trombitások, paganosok, fuvolisták varázsolták az albumra, míg Ken Hensley-n kívül Joost van den Broek játszotta el az összes billentyűs részt, Martin Orford és Oliver Wakeman segítségével.Így a gyorstalpaló kritikám után, röviden a történet lényegéről is.Miután 'Én' kórházba került, a Legjobb Barátja és a felesége besiet hozzá, s azt látják, hogy kómában van. Szavakkal, dalokkal próbálják visszasegíteni az életbe (ilyen pl. a Hope, Memories), de közben a saját érzései kötik le a figyelmét: az emlékek, a tettek és következményei (Pain, School, Childhood), majd ezek a szálak találkoznak, s öntudatlanul egymásnak válaszolnak, külső és belső jegyekkel egyaránt (pl. a Szerelem hangja biztatja a karaktert a folytatásra, hisz várja a felesége, a Szerelme, miközben a hozzátartozói kívül azt látják, hogy sír és erőlködik). A Loser számban kezd a baleset körülménye is kibontakozni, mikor az Apa megjelenik, és szinte fröcsögve a kómában lévő fiához vágja, hogy másra nem is számított, illetve, hogy úgy végzi, mint az anyja, azaz "hat lábbal a föld alatt". Majd ezek után a teljes kibontakozása ennek a következő, az Accident? számban történik meg, amit egyenes úton, logikusan követ az élniakarás vágya, illetve bizonyítási vágy, amely a Realization-ben egy korai Jethro Tull-ra emlékeztető, mégis, heroikus és rendkívül agresszív dalban tör ki. Az utolsó előtti, a Disclosure számban a Legjobb Barát és a Feleség egyaránt bevallja bűnét, amelyre a Confrontation az egyenes válasza a főszereplőnek, mikor is felébred a kómából, legyőzve minden rosszakaróját, és az érzelmeit is, és ő maga is bevallja, hogyan árulta el a legjobb barátját.
Utolsó szó jogán annyit szeretnék még hozzátenni, hogy az összes eddigi Ayreon albumhoz hozzákapcsolódik. Hogy hogyan? Hallgassátok meg a többit, legvégül ezt, és figyeljetek egy utolsó kijelentésre.



Értékelés: 98 %

Dream Theater - Chaos in Motion Tour | Budapest, Hungary

Előadó: Dream Theater
Turné: Chaos in Motion Tour
Helyszín: Petőfi Csarnok, Budapest, Hungary
Időpont: 2007/06/06





Kicsit késve bár, de mi is leírjuk tapasztalatainkat a budapesti Dream Theater koncertről. Sajnos, mire ki tudjuk ezt a cikket rakni, az egész téma már lerágott csont, viszont úgy érzem, egy koncert mindig van annyria szubjektív, hogy mindig, mindenkitől élvezetes visszahallani, visszaolvasni. Megpróbálom nem túl hosszúra megírni, hiszen ezt már előttem sokan megtették.
A helyszínre húsz perccel kezdés előtt érkeztünk, és meglehetősen szerencsések is voltunk, ugyanis éppen nem volt akkora sor a hátsó kapunál, így egy-két perc alatt megmotoztak és ellenőrizték a jegyet. Tehát nekünk nem volt olyan problémánk, hogy a biztonsági őrök akadályozták volna a gyors bejutást. Sajnos ilyen korán se volt már túl sok jó hely, szóval bevergődtünk jó hátra, de legalább szembe a színpaddal. Ekkor már az előzenekar hangolt, s közbe akusztikus feldolgozások szóltak a hangfalakból. Ekkor még azért talán a Csarnok befogadóképességének a felét árasztották el az ideges és kíváncsi Dream rajongók.
Pontosan 19:00-kor, mikorra ki voltak írva, pedig elkezdte a muzsikálást a Dominici. A Dream Theater volt énekesének zenekara nem kapott túl nagy figyelmet, ugyanis ekkortájt próbáltak sokan bejutni valahogy, így igazából még csak áramlott befele a tömeg. Őszintén szólva nem is volt annyira jó a Dominici. Nekem nem jött be a zenéjük. Ekkor sajnáltam egy picit, hogy Európába előzenekarnak nem a Symphony X jött.
Fél óra zenélés, és 5 dal után Dominiciék leléptek, s azért ekkorra már jókora tapsviharban léphettek le a színpadról. Amint eltűntek, azonnal jöttek a technikusok, és szerelték be az új hangszereket a helyükre. Ehhez is fél óra kellett, majd pontban 20:00-kor, miután elhalkult a hangfalakból ránkzúduló szimfonikus feldolgozása a The Dance of Eternity-nek, elkezdődött a Dream Theater koncert is. A kezdő dalok igen ütöttek: az Overture 1928 intronak, majd ezt követte azonnal a Strange Deja Vu. Kedvenc albumom a Scenes from a Memory, szóval igen jól indult számomra az esemény. Ezután pedig a Take the Time következett, amely méltó módon zárta le a nyitóblokkot. Rövid üdvözlés, köszöntés után bele is vágtak az új lemez dalainak a bemutatásába. Először a kislemeznóta, a Constant Motion, utána a rég kiszivárogtatott The Dark Eternal Night jött. A közönség ismerte, s énekelte ezeket az új dalokat is, s lassan sötétedni is kezdett, aminek következtében a színpadi fénytechnika alkalmazása több értelmet nyert, mint eddig.
Kis "pihenőként" következett az Endless Sacrifice, I walk beside you, és a megnyújtott Surrounded trio, majd a fertelmesen más Octavarium nóta, a Panic Attack jött. Az este folyamán az utolsó új dalt ezután játszották le, az egyik kedvencemet a Systematic Chaos albumról, a Forsaken-t. Így utólag belegondolva, köszönettel tartozom a zenekarnak, hogy a Prophets of Wartól megkíméltek minket. Mellékes viszont, hogy a Metropolis pt. 1-től is...
Az "normális" koncertidőt a hatalmas Scenes nóta, a Home zárta, majd vonultak is le, hogy visszatapsoltassák magukat. Kis Rudess szóló után, ami eddig talán a legjobb felvezetője volt a következő dalnak, jött a The Spirit Carries On. A banda legismertebb, legszebb balladáját mindenki végig énekelte, még James Labrie-nek se kellett igazából felhívni a figyelmet arra, hogy énekeljünk. Viszont az öngyújtózás mókás volt, valahogy nem illett a képbe. Végül, utolsó, záró dalnak az As I Am hagyta feltüzelve a zenére vágyó közönséget, akik - egyetlen további ráadás dal reményében - végigtapsolták a magukat ünnepeltető zenészeket. Nem mintha nem érdemelték volna meg.
A legnagyobb probléma a koncerttal a rövidsége volt. A DT része körülbelül 107 perces lehetett, míg a Dominici 30, így előzenekarral együtt is csak alig több, mint 2 óra volt az érdemi része a rendezvénynek. Szokatlan volt az is, hogy előzenekart is hoztak. Valószínűleg emiatt - és valami csendrendelet miatt - lett ilyen kurta, amilyen. Az előadásra nem volt panasz. Bár voltak apró hibák, melléfogások, ez teszi varázslatossá a koncerteket, és nem az, hogy playbackről, de legalább hibátlanul visszaadják a tananyagot. A színpad amúgy kicsi volt, egyedül valamennyire James Labrie mozgott rajta. John Myung a szokott módon, szoborszerűen állt, és pengette hangszerét, míg John Petrucci munkájára koncentrálva bámulta Music Man gitárját. Jordan Rudess volt az egyik legviccesebb az egész koncert alatt. Az állványos KORG OASYS szintetizátorával ide-oda forgott. Mike Portnoy pedig dobálta a dobverőket - s az ütők törvényszerűen néha melléestek. Mégis, a legjobb pillanat a ráadás volt, ahova Mike már egy magyar futball mezzel tért vissza. Viszont, ahogy korábban is mondtam, én hiányoltam a nagyobb Dream Theater dalokat. Legalább a Metropolis pt. 1-et lejátszhatták volna. És, így utólag belegondolva, a 8.500 Ft-os (+ postaköltség, amint adminisztrációs díjként szépen rámsóztak, mert személyesen vettem át) jegy, és a majd 6000 forintos utazási költség kicsit sok volt. És ekkor még nem ittam semmit helyben, illetve nem vacsoráztam meg. Persze ez nem tartozik a bejegyzés témájához.
Mégis, ha lenne még egy koncert, én biztos elmennék rá, ugyanis ez olyan emléket hagyott bennem, amit sose felejtek - akárcsak a többi DT koncert volt.

Korpiklaani - Tervaskanto

Előadó: Korpiklaani
Album: Tervaskanto
Genre: Folk Metal
2007
Napalm Records






Ha valamely ismertebb finn folk metal zenekar esik szóba, mindig a következő jelent jut az eszembe: a két, talán legismertebb zenekara a stílusnak, a Finntroll és a Korpiklaani ülnek egy középkori kocsmában, természetesen az előbbi zenekar trollok képében, míg az utóbbi kövér, szakállas druidák, hatalmas medvék, emberszerű farkasok és szarvasok képében, néha zenélnek középkori hangszereken, és ordibálnak hozzá valamit, máskor pedig fakorsókat döngetnek egymásnak, és ami benne maradt lötty, lehúzzák. Néha pedig egymásnak esnek, és boldogan verekednek a következő zenélésig. És ezt a körforgást sose hagyják abba.
Valamennyire ezzel jellemeztem is a Korpiklaani zenekart: egy "mulatozós", ivós, természetimádós metal, amihez szinte kötelező a folk alap. Idén júniusban adják ki a legújabb lemezük, ami ezen a néven már negyedik a sorban (az első 2003-ban jelent meg, viszont 2005 óta minden évben pofánvágnak minket egyel, hogy legyünk boldogok), amelynek címe Tervaskanto. A borítón már szinte láthatjuk is a képzelgésem a finn folk metalról, ugyanis az emlegetett kövér, szakállas természetimádó van rajta.
Ha ránézünk a számlistára, láthatjuk, hogy most többségben vannak a finn nyelvű dalok, míg korábban csak elvétve volt néhány dal, a többi angol nyelven szólalt meg, pontosabban, a négy angol dalból kettő instrumentális, szóval ott meg se szólalnak. Ezzel igazából nincs is baj, ezzel a Korpiklaani elődjét, a Shaman nevű zenekart juttatják eszembe.
Az indító dal egy igen pörgős darab, rögtön az alkoholizálásra hívja fel a figyelmünket. Az első furcsaság, ami az album hallgatásakor felmerül, az egy, a lemezen állandóan szereplő vendég, Juha Jyrkäs felbukkanása. Ő egyébként inkább a dalszövegek írásában vett részt, viszont a Let's Drink című nyitó nóta vokáljának feléneklésében is besegített. Igazából ez egy olyan szám, amit nem lehet egyetlen Korpiklaani albumról se lehagyni. És nem is teszik, ugyanis az ivás, mint téma, minden lemezen megjelent már. a Let's Drinket úgy tudom leginkább elképzelni, hogy haverokkal (újra) összeülünk, és akkor az előző albumok pia metal számait összeválogatva vedelünk. Egyébként a témájának megfelelően rövid, velős dal, vidám kis harmonikával.
A második szám a címadó dal, a Tervaskanto. Ez is egy pörgős dal, rengeteg folk elemmel, és természetesen fontos szerepe van benne a harmonikának. Először itt csodálhatjuk meg a finn nyelv szépségeit. Én személy szerint sajnálom, hogy (még) nem tanultam a nyelvet, mert így semmit nem értek a szöveg mondanivalójából. Ha más is így van vele, nyugodjon meg, az egész albummal ez lesz a helyzet. Bár, a Korpiklaanit ismerve, ez nem lesz hátrányukra, sorstársak.
A harmadik szám is finn lesz, a címe: Viima. Ez már sokkal lassabb, mint az első két dal. Hogy tovább erősítsük a folkosságot, most harmonika mellé furulya dallam is került bele. Így egy kicsit hasonlít az In Extremora, illetve olyan hangulata van, mintha egy sötét erdőbe lépnénk be éjszaka, és baglyok és Korpiklaani bandatagok vennének körül minket.
A Veriset Aparat heavy metalos riffekkel indul, majd ezt fenntartva lépnek be a népi hangszerek és Jonne Järvelä énektémája. Igazából ami a Korpiklaani-t azzá teszi, ami, az Jonne összetéveszthetetlen csengésű énekhangja. A Veriset Aparat egy viszonylag tempós nóta. Ami tetszik benne, az a harmadik perc környékén kezdődő, ismerős népi motívumra emlékeztető téma. Nagyon jóra sikerült ez a váltás, kár, hogy nem folytatódik a háttérben a dal végéig.
A következő, Running with Wolves az első csak hangszeres darabja a lemeznek. Különleges, középkoriasan hangult akusztikus gitárokkal vezetik fel, majd Korpiklaaniasan folytatják. Ahogy általában, itt is a népi hangszerek húzzák magukkal a többit, a dobon kívül a többi hangszer mintha egy kicsit túlságosan is a háttérbe szorult volna, illetve majdnem ugyanazt a motívumot játszák a végén, legalább egy percen keresztül, ami végeláthatatlannak tűnik hallgatás közben.
A hatodik szám, a Liekkion Isku is heavy metalosan indul, és csak után vált át folkba. A legérdekesebb megoldás benne a kántálós rész, illetve a kántáláshoz hasonlító énektéma is. Így olyan érzésem van, mintha valami modern druida szertartásba csöppentem volna, ahol minimum dobbal, gitárral, bőgővel és harmonikával kell áldozni az isteneknek.
A Palovana ismét egy középkorias témával indít, s elég sokáig tartja magát a háttérben. Egy folyamatosan gyorsuló dalról van szó, újabb tipikus folk metalos hatás. Igazából ekkor már kezdtem unni, hogy szinte nincs változás a dalok felépítésében. Valahogy a korábbi albumokat kicsit változatosabbnak éreztem. Egyedül a bohém dobtéma dobja fel a nótát a vége felé.
A Karhunkaatolaulu követi a dalt, ami a nyolcadik a sorban. Szintén egy gyors témájú dal. Ami érdekessé teszi, hogy a dal az instrumentális és a vokális rész váltakozásából áll, ugyanis legtöbbször az énektémákra elhallgatnak a hangszerek.
A Misty Fields, a kilencedik dal a harmadik angol a sorban, s a második, egyben utolsó, amiben szöveg is van. Úgy tűnik, hogy erre az albumra a hegedűt, illetve a harmonikát hangulták kulcsmotívummá, ugyanis a szokásosnál is fontosabb szerepe van a dallamvonal vezetésében. Nem túl hosszú dal, témája ennek is inkább a természet.
Talán a legváltozatosabb dal a Vesilahden Verajilla, az utolsó előtti nóta. 7 perces hosszúságával bőven kiemelkedik a többi szám közül. S talán ez az a dal, amely legjobban emlékeztet az In Extremo-ra, ugyanis itt a hangszerek, illetve az akusztikus megoldások is nagyon hasonlóak. Fontos szerep jut az akusztikus gitárokra is, és már nem csak felvezető, bevezető szerepük van. Az énektéma inkább beszédszerű, hangulatilag pedig emiatt úgy tudom elképzelni, mintha tűznél történetet mesélnének el zenélve. Ezt az érzetet erősíti a végefelé a teljesen morgó/beszélő rész.
A befejező dal, a Nordic Feast talán a legbohémabb az egész albumon. Tényleg olyan hangulata van, mintha egy finn karnevál közepére csöppennénk. A basszus nagyon jól hallható, egyszerű, és bohókás. Sőt, nem csupán karnevál, hanem egy tengerparti város bulija is lehetne, ugyanis a harmonikatéma beleillene például a Karib Tenger Kalózai film valamelyik csehós pillanatába is. Mivel rövid nóta, és nem is túl tempós, egészen felcsigázza az embert ahhoz, hogy újra meghallgassa az egész albumot.
Összességében a legnagyobb bajom a Tervaskantoval, hogy a nyitó és záró dal között igen unalmas, egyhangú, monoton és fantáziátlan tud lenni. Az egy dolog, hogy nem értem a szöveget - pedig nekem azért roppant fontos lenne, de finn zenekaroknál ezt már megszoktam -, de a folk hangszerek témáinak egyformasága eléggé egybemosta a dalokat. Közepesen hosszú, 42 perces játékideje viszont jónak mondható, s nálam a nyitó dal, a záró dalon kívül a Veriset Aparat és a Vesilahden Verajilla mentette meg. Azért a Tales Along This Road jobb volt.

Értékelés: 86 %

2007. június 22., péntek

Symphony X - Paradise Lost

Előadó: Symphony X
Album: Paradise Lost
Genre: Progressive/Power Metal
2007
Inside Out







Öt évet kellett a várni a kicsit félresikerült The Oddyssey album után a Symphony X rajongóknak, hogy Michael Romeoék újra előrukkoljanak valamivel. Igazából én eddig mélyebben csak az előző, már emlegetett albumot ismertem, így nem volt túl sok elvárásom a mostani iránt. Lehet, hogy ezért is ütött elég nagyot a Paradise Lost. Sajnos a neve igen megtévesztő, ugyanis nagyon hasonlít arra a bizonyos brit heavy metal zenekarra, ami hasonló névvel - és hasonló című tizedik lemezzel - leledezik, viszont előre utal arra, hogy nem valami Elvenking szerű, buli az élet albumra kell gondolni. (Megjegyzés: Az Elvenking hamarosan megjelenű albuma se lesz már az.)
A The Oddyssey albumról én azt hiányoltam, hogy nem valami túl egyedi, illetve, hogy a progressive elemek szép lassan eltűntek belőle, és maradt csak a power és heavy része a dolognak. Szerencsére ilyen dolgokat a Paradise Lost albumon nem kell nélkülözni, ugyanis Romeo előszedte szólózási tehetségét, illetve megrúgdosta egy kicsit Michael Pinnella billentyűst, nehogy elaludjon a hangszere mögött. Viszont az egyediség kicsit elmaradt. Nem teljesen, de néhol érzek továbbra is sablonosságot, illetve utalásokat más zenekarokra, dalokra.
Az album egy introval, az Oculus ex Inferni-vel indul. Igazi felvezető, zaklatott, szimfonikus darab, kis hangszertudás csillogtatással. Igazából olyan, mintha egy számítógépes fantasy játék zenéjét játszanák le, illetve valami újabb Gyűrűk Ura metalprodukció darabja lenne. Hallottam már jobb felvezetőket is, az átváltás a második dalra, a Set the World On Fire (The Lie of Lies)-ra nem igazán sikerült. A cím eléggé sablonos, volt hasonló dala az Annihilatornak és a Megadeathnek is. Gondolom ezért került az a kis alcím oda. Egyébként ez jól konferálja, hogy mennyire sötétebb hangulatú album, mint a többi. Russell Allen inkább egy brutálisabb, dühösebb énekmódot választott ide, illetve a kórus se olyan lágy. A dal közepén van egy kis szórakozás a gitárokkal, illetve billentyűvel, majd hirtelen jön a második nóta, a Domination.
Még egy sablonos cím. Viszont a kezdete igen jó: basszus szólóval vezeti fel a következő sötétebb témákat. Sajnos a gitártéma szinte egyetlen riffből és egy váltásból áll, így a hat és fél perces játékidőben hamar meg lehet unni, illetve az ének se éppen a legjobb, bár a nótához teljes mértékben illik.
A negyedik szám a Serpent's Kiss. Ez is a durvább dalok közé tartozik, viszont hangszereiben inkább a progressive vonalat képviseli, a gitárok inkább szólnak, illetve illetve a váltások erősen Dream Theater-re emlékeztetnek. Ugyanilyen módon változik az énektéma lényege és módszere is. Néhány pillanatra pedig egy szimfonikus jelleg jelenik meg újra. Nem rossz dal, de a durranás igazából csak most jön.
A címadó nóta, a Paradise Lost az lepett meg igazán. Sok lemezt hallgattam már idén, s tavaly és tavalyelőtt még többet, de a Paradise Lost lágy, balladikus, mégis erőteljes, progressive vonása megfogott. Ez nem egy Dream Theater szerű ballada, talán ez a legegyedibb szám az albumon. Az akusztikus, szimfonikus részek megfelelő arányban jelennekmeg a brutális szólózással és tehetségfitogtatással együtt, illetve az énekes is sokkal lágyabb, érzelmesebb hangon zenél. Nem utolsó dolog, hogy évek óta a Paradise Lost refrénje az egyik legfülbemászóbb, legeredetibb, amit hallottam.
A következő, Eve of Seduction még egy, inkább heavy/power metal stílusú nóta. Az ének itt megint inkább tiszta, ahogy az előző számnál is volt. Ez a nóta kicsit hasonlít a speed metal stílusra is, zúzós, nem túl unalmas. Bár kicsit monotonnak érzem.
Nem úgy, mint a The Walls of Babylont. Ez egy újabb progresszív nóta, sok szólózással, gitártémával, illetve az intro hangulatát idézően kórussal. Erre a nótára is sok váltás jellemző, illetve az énektémák váltakozása. Az egészet megfűszerezi egy kis power metal is, úgyhogy igazi csemege ez a dal.
A nyolcadik szám, a Seven - ami az intro nélkül a Hetedik dal - egy gyorsabb tempójú, viszont progresszíves szólózással induló nóta. Engem kicsit a dobtéma inkább egy skapunk/punkrock dal témájára emlékeztet, igaz, nem mondanám, hogy rossz. Viszont a szólók nagyon egyformák, egy témára épülnek, így azért a 7 perces szám hamar unalmassá válhat. Igazából nem tudnám besorolni se a Power Metal stílusba, se a progresszív metal stílusba, sokkal inkább emlékeztet egy korai Iron Maidenre, illetve a Brit Heavy Metal Újhullámának többi tagjára. Nem rossz dal, csak nem emelkedik ki a lemezről.
A The Sacrifice, a következő szám egy újabb lassabb, balladikusabb darab. Itt Russell Allen újra inkább egy érzelmesebb témát énekel, bár itt újra keveredik az erősebb, reszelősebb hangja az emocionálissal. Több a zongora, illetve a háttérben a szimfonikus rész, bár közel se annyi mint a címadó dalnál volt. Hangulatilag ez inkább egy feszültebb darab, mint a Paradise Lost volt, viszont a közepén lévő gitárszóló egész jó lett.
A záró dal, a Revelation (Divus Pennae ex Tragoedia) szerencsére nem igazán outro, inkább egy rengeteg váltást felvonultató, Dream Theater szerű progresszív nóta. Az album összes dala közül talán ez tartalmazza a legkevesebb power elemet, illetve ez a legprogresszívebb. Masszív 9 perces szám, rengeteg billentyűssel, gitárral, és kevés énekkel.
Nem szabad elhaladni amellett, hogy talán ez hangzásilag és felépítésben az eddigi legjobb, legjobb minőségű Symphony X album. Végre nincs baj se a mixeléssel, se a kidolgozottságával, és még a borító is egész mutatós lett. Ez mindenképp egy hatalmas előrelépés a zenekar számára. Persze már elvárható is volt úgy egy dekáddal az első lemez után. Témájában igen sötét lett a lemez, ami nem baj, ami engem egyedül zavar, hogy igen sok "lopott", másolt vagy sablonos ötlet van benne, illetve néha a számok összemosódnak. Viszont ennek ellenére is egy elég erős prog/power albumot sikerült összedobniuk. Engem meggyőztek.

Értékelés: 88 %

2007. június 21., csütörtök

Kettőnégy a Webcsatornán

Kivételesen nem egy lemezről lesz szó, hanem egy műsorról. Tudom, hogy az ilyet még nehezebb kritizálni, mint a zenei albumokat, mégis, úgy érzem, meg kell tenni, ugyanis szinte egyedülállónak mondható a kezdeményezés itthon, és ez magában is egy jó pont.
A Webcsatorna elnevezésű online tévén lehet figyelemmel kísérni, a címe pedig: Kettőnégy. Jól tudom, ez nem is mond sokat. Először én is a hatalmas visszhangot nyert Tokio Hotel vs. GWAR műsor idején hallottam róla, de - a szolgáltatónak hála - vissza lehet nézni a régebbi részeket is. Heti rendszerességgel, csütörtökön jelenik meg, így volt mit visszanézni: 2007. január 4-én indultak, és a híres műsor áprilisban került adásra. Nem szeretnék végigmenni az összes műsoron - akit érdekel, és akinek van ideje, úgyis végignézi.

A Kettőnégy eddigi műsoraiban szinte mindig volt brutális hülyülés, illetve jóindulatú baromkodás. Reménykedtem, hogy jobb, normális, nem divatos nu és modern zenekarokat fognak bemutatni - pl. Ad Astrát, Dreyelands-et, Mindfields Factory-t, esetleg Dalriada, Nova Prospekt-et -, viszont eddig ez nem valósult meg teljes mértékben. Sok olyan zenekart kapnak el, akik néhány hallgatás után se tűnnek jó metal zenének. Az a néhány alany, akiket érdemesnek találok megemlíteni, az az Isten Háta Mögött, a Black-Out és ennyi.
Viszont ami tetszik a műsorban, azok a kissé gúnyolódós, bemutatós részek, mint a Tokio Hotel vs. GWAR, illetve a Toy Dolls/Punk epizódok. Bár néha itt is túl bunkó stílust képviselnek - pl. megkérdezik, kivel feküdnének le, ilyen 12 éves kölköktől -, viszont mindig rámutatnak az ellenkezőjére is. A legjobb példa a Tokio Hotel vs. GWAR részben van (ugye milyen sokszor szerepel?), mikor a TH rajongók mellett bemutatják azon TH ellenző, hasonló korú tinédzsereket is, akiknek szintúgy fingjuk sincs a metal/rock zenéről, de azért keménykednek, berúgva 16 évesen. Fényes nappal. Igen, ez a Magyarország! Vagy a másik említett, punk részben is az igaznak vélt, és igaznak mondott punkstílusok egymással szembe fordítása.
Maga a műsor lazábbnak, szórakoztatóbbnak készül, amit méltányolok is, viszont nem biztos, hogy pl. a Novarock részben a hányós jelenetet benne kellett hagyni - úgyis minden true metal ember tudja, hogy a róka gyakran kiszökik. Röviden a túlzott lazaság árthat a műsornak, ugyanis nem biztos, hogy az ilyen vicces. Illetve a részeg embereknek se mindegyike - de belátom, hogy pl. a Novarock részben is voltak mókásan ittas metalheadek.
Egy szó, mint száz, nekem bejön a műsor, viszont személy szerint szeretnék látni néhány rátermettebb, nem csak ivásraképes magyar zenekart is, illetve a jobb, a nagyobb külföldiekkel való összejöveteleket is. Dream Theater már nem is jó a kettőnégynek?! Hiszen most voltak!

Értékelés: 75-92 % epizódtól függően, magára a műsorszerkezetre, az ötletekre 90%.


Kettőnégy a Webcsatornán:
http://webcsatorna.hu/sorozatok/kettonegy?showFrom=0

Nuclear Blast Allstars - Into the Light

CD 1
Előadó: Nuclear Blast Allstars
Album: Into the Light
Genre: Power/Melodic Metal
2007
Nuclear Blast

CD 2
Előadó: Varius Artists
Album: Into the Light
Genre: Power/Melodic Metal
2007
Nuclear Blast

Igen, már 20 éve bocsátja rendelkezésünkre a jobbnál jobb - és néhány rosszabb - zenét a Nuclear Blast kiadó. És ők maguk is tudják, hogy ez egy fontos évforduló: meg is lepik magukat - és természetesen a zenehallgatókat - egy különleges kiadással. Sőt, rögtön kettővel, ugyanis az Into the Light című album az Ikreknek elnevezett koncepció első része. A második darab az Out of the Dark lesz, valamikor 2007 második felében.
Az Into the Light nem egy szokványos gyűjtemény, illetve válogatás. Sokkal másabb: két részre van osztva, és ebből csak egyetlen része válogatás. A másik valami sokkal különlegesebb. A kiadónál is tudták, hogy nem elég összevágni a legsikeresebb nótákat, újat is kell mutatni ezen alkalomból. Ezért úgy döntöttek, felkérik a Rage zenekar zenészét és zeneszerzőjét, Victor Smolskit, hogy a válogatott énekesek számára írjon egyedi dalokat, amit majd a zenekarával játszanak fel az albumra.
És Victor jó munkát végzett: az összes énekesnek a saját személyiségére, karakterére írta a dalokat. Az indító dal, a Dirty Wings-et Tobias Sammet-tel énekeltette fel, az Edguy egoista vezérével. Pörgős, tempós felvezetője lett az albumnak, személy szerint azt mondom, még jobb is, mintha az eredeti Edguy felállással történt volna ez meg. A nóta Tobi érzelmes énekére épül, egyszerű, kicsit indulószerű, nagyon fülbemászó refrénnel.
A következő szám magával a Rage énekessel, Peter Wagnerrel lett elkövetve. Ez azért már sokkal sötétebb téma, kicsit technikásabb is, viszont a tempó, amit a nyitónóta diktált, megmaradt. Peter hangja sokkal rekedtesebb, kicsit dühösebb, mint Tobias-sé. A legnagyobb motívuma a dalnak a közepén lévő basszusszóló. Remek megmozdulás volt, kicsit meg is lepett. A Terrified egy szép példája annak, miért is különleges ez az album. (Ashgar comment: Főleg hogy hivatalos Rage szám )
Váltás után a Ruling the World című Tony Kakko-val felvett nóta jön. Tökéletesen érezhető Sonata Artica elemek, illetve az összetéveszthetetlen északi power metal stílusjegyek kísérik végig a dalt. Bár magam a Sonata Articát annyira nem kedvelem - pontosabban nem tartom a stílusa legegyedibb előadójának -, mégsincs miért panaszkodnom a Ruling the World után. A dalban kicsit több billentyűs volt, mint amit eddig megszoktunk, nekem nem is hiányoztak volna, de ha már ott van, nem vesszük ki.
A következő nóta a Death is Alive, Mats Levennel, a Therion énekesével. A Therion kissé progresszív hangzása itt is megvan, a szám zongorabevezetője, illetve a lassú beindulása egyértelműen a progresszív műfajok stílusjegyeit tartalmazza, illetve a vokálban egy kicsit Dream Theater-es beütést érzek. A refrén kicsit unalmas, illetve a hangszeres játék se túl fantáziadús, kicsit túlságosan is az énekre épül.
Az ötödik dal illik legkevésbé a képbe. Legalábbis ami a műfajt illeti. A Bloodsucker inkább egy thrash metal darab. Marcer Schirmer, a Destruction énekese lett most a vokalista. Én ezt tartom a legunalmasabb dalnak az albumon, de azért egész élvezhető. Kicsit monoton, illetve nem a legminőségibb thrashből származik.
Viszont a következő nóta annál érdekesebb: a Blind Guardian igen szimpatikus egyéniségével, Hansi Kürsch-sel készült a Slaves to the Desert nóta. Erős nóta, Hansi hangja szinte szétzúz mindent, ami a hangfalak közelében van, illetve a Hansi által használt különleges énektechnika is gyakorta kerül elő, így mintha egy kisebb kórus szólalna meg benne. Van egy nagyon cseppnyi elektronikus érzete is az egésznek, ami a Demons and Wizards -ra emlékeztet. Sőt, maga a nóta egy kicsit a Poor Man's Crusade-et juttatja eszembe. Középtempójú, tökéletes nóta ez.
Ezután újra pörgés következik: a Helloween énekesével, Andi Derissel egy kicsit a Dirty Wingshez hasonlító, kevésbé technikás, pörgős power metal számot írtak. A refrénje az A Perfect Day-nek is igen fülbemászó, viszont alapjában nagyon hasonlít a nyitónótához, megoldásaiban is, bár ennek a számnak a végén van egy kis gitárjáték is, amely megkülönbözteti tőle.
Bevallom, a következő nóta énekeséről eddig semmit se tudtam, így nem is nagyon tudtam hova tenni az Eternally lassan beindulú szólamait. Oddleif Stensland, a Communic nevű zenekar énekese se tűnt elsőre valami nagy tehetségnek. Sajnos a nóta egyetlen szólórészt kivéve nem sorolandó a legjobbak közé, ugyanis azt a részt kivéve elég monoton, unalmas, és szinte csak egy témát ismétel végig.
Ugye hogy maradhatna ki a Nuclear Blast aranytojástyúkot tojó tyúkja? Bár sokat kellett várni rá, de az Inner Sanctuary-ban végre előkerül a Nightwish, vagyis pontosabban, ami még maradt belőle. Marco Hietala, a zenekar férfiénekese szólal meg benne. Nem igazán szerettem sose a Nightwisht, és a férfiénektől most se igazán estem hanyatt, viszont a dal maga fülbemászó, és unalmasnak se mondható. Sok a modern elem benne, illetve lágyan a háttérben csengők, billentyűk szólalnak meg, kicsit varázslatossá téve az egész hangulatát.
A záró motívummal viszont személy szerint nem tudok mit tenni: tudtam, és természetesnek tartom, hogy egy olyan hangot, mint Tarja Turunnen nem lehet kihagyni - még akkor sem, ha már rég összeveszett a társaival, akik köszönetképp kidobták a Nightwishből. Viszont úgy érzem, ez egy erőltetett, utolsó fricska inkább a volt zenekarnak, ugyanis rendkívül hasonlít minden benne az eredeti Nightwish-re. Tarja kiejtése még egy kicsit idegesítő, bár aki volt Nightwish koncerten régebben, az tudhatja, hogy a stúdióalbumokon legalább próbálnak ügyelni az angolosságra, míg élőben tényleg nagyon idegesítően angoltalan. A dal maga középtempójú, néhány gyors váltással. Ez a leghosszabb dal, kicsit a végére untam is, a lassabb szólózás a végefelé pedig nem dobta fel szerintem.
Összegezve ezt a részét az albumnak, egyedül az utolsó nóta nem illik annyira bele a képbe, a többi viszont mind nagyon erős a maga stílusában, illetve a maga köreiben. Tarja Turunnent én Victor helyében kihagytam volna, illetve ha nem ő válogatta az énekeseit, akkor a kiadvány tervezőjének helyében. Helyette lett volna még néhány más, jobb énekes is. Kíváncsi vagyok, hogy bejönnek-e a sejtéseim, és az Out of the Dark valóban a sötétebb, black/death irányú bandáknak lesz-e a lemeze?
A második lemezre csak néhány mondatot szeretnék fecsérelni, ugyanis ez az a bizonyos válogatásos rész. A kiválasztott zenekarok a következők: Hammerfall, Helloween, Gotthard, After Forever, Ride the sky, Thunderstone, Threshold, Amorphis, Candlemass, Sirenia. Jó kis válogatást hoztak össze, viszont igazából - ha már a Helloween szerepelt a másik lemezen - őket ki lehetett volna hagyni, illetve az Amorphist és a Candlemass nem illik bele a főleg Power és Melodic metal profilú kiadásba, inkább - remélhetőleg - az Out of the Dark-ba illenének bele.
Mindent összevetve viszont szórakoztató album. Az első lemez hatalmas ötleten alapszik, amit sikeresen véghez is vittek.

Értékelés: 90 %

2007. június 18., hétfő

Devin Townsend - Ziltoid the Omniscient


Előadó: Devin Townsend
Album: Ziltoid the Omniscient
Genre: Progressive Metal
2007. május 21.
Hevy Devy Records/Inside Out







Aki ismeri Devin Townsend művészetét, az tudja, hogy semmi "normálisra" nem lehet számítani. Egyetlen albumán sem. Én magam az Ayreon - The Human Equation albumon hallottam először - vagyis akkor figyeltem fel rá. Az eszeveszett, démoni sikolyai, ordításai és hangjai - például az azóta elhíresült "Loser-ordibálás" - felkeltették a figyelmem, ugyanis addig nem tudtam volna elképzelni, hogy valaki képes ilyenre is. Azután szereztem be néhány Strapping Young Lad albumot, és onnantól kezdve azt hittem, semmi sem lephet már meg azok közül, amit Devin Townsend csinál. Tévedtem. Megérkezett Ziltoid, a Mindentudó, aki fekete kávével működik, és mivel a Föld lakóitól nem kapott, megpróbál megölni minket.
Maga Devin szerint a Ziltoid album keveréke a Punky Brüster-féle szarkasztikus humornak, a Strapping Young Lad brutalitásának és a Devin Townsend Band ötletességének. Én igazából hozzátenném, hogy mindezek mellé befigyel egy The Hummer-féle ambientség is. Devin Townsend most nem fogadott el semmiféle segítséget: az összes hangszert maga játszotta fel a lemezre, illetve a dobokat a Toontrack's Dobfelszerelés a Pokolból programmal pötyögte le. Szép teljesítmény, bár már rengeteg ilyenről hallottunk. Talán picit őrültség is, de az biztos, hogy így csak és kizárólag az ő ötletei kerültek be.
A nyitó momentum, a ZTO egy egyszerű introja az albumnak, ahogy Devin MySpace oldalán is látni lehetett, szándékosan egy TV műsorindítóhoz hasonlító nóta. Elég sok elektromos kütyü is megszólal benne, majd a végén maga a főszereplő, Ziltoid is bejelentkezik, és kiosztja a parancsokat. A dal felépítése valóban hasonlít a Punky Brüster albumon hallhatóhoz, kevés narráció, sok poén a dalon belül.
Rögtön ezután jön a By Your Command, egy lassabb, inkább Devin Townsend Band témájú dal, viszont a megszokott "Wall of Sound" védjegye is megjelenik a szerzőnek. A dobok igen erősek, bár hallatszik rajtuk, hogy gépvezérelte, és ez kicsit ront a benyomáson - viszont sokkal inkább földönkívülibbé teszi. Devin furcsamód eddig igen kevés ordítást - sőt, szinte semmennyit sem - hallatott, ami azért visszaemlékezve a korábbi lemezeire, meglepő. Miután Ziltoid a történet szerint nem kapja meg a fekete kávéját, dühös lesz, amit a zene is brutalitással jelez. Az emberi flotta vezetője, Captain Spectacular (Látvány Kapitány) támadást indít a betolakodó ellen, Ziltoid be akarja vetni a Planet Smasher-t (Planéta Zúzót).
Ezt mutatja be a Ziltoidia Attaxx!!! dal, amely igen brutális, viszont kicsit monoton riffeléssel és lábdobbal indít be. És, végre megjelenik a torzított hangú Devin is, aki az utóbbi Strapping Young Lad albumokon megszokott falsettoban, illetve beszédhanggal énekel. A nóta témáját jól mutatja be a kicsit kaotikus, feszült, szinte fülsértő gitártéma - ugyanis Ziltoid gitározni is tud.
Az ezt követő szám a Solar Winds, amely a leghosszabbak között van. Lassú nóta, amely Captain Spectacular kiugrását és menekülését mutatja be. Itt újra Devin Townsend tiszta éneklése kerül elő, míg a gitár egy kicsit nyugodtabb, és a dob se túl erős - sőt, igazából három percen keresztül be se jön. Ahogy az egész albumon, itt is alig lehet basszust hallani - ami engem egy kicsit zavar, ugyanis így emlékeztet a Metallica - St. Anger féle gitár-dob-ének összecsapásokra. Szerencse még, hogy minőségben jobb a Ziltoid album zenéje. Egyébként itt van az egyik legdurvább, leghülyébb poén: A kapitány 'Nerd'-nek, azaz Strébernek tituálja, ami hatására Ziltoid megtorpan, és a kapitányék el tudnak szökni. A dal vége egyébként egy kicsit lágyabb, progresszív rockosabb beütésű.
A következő nóta, a Hyperdrive a személyes kedvencem. Ez is inkább egy lágyabb, sokkal inkább ambientesebb dal. A dob és gitártémája egyszerű, de közben igen fülbemászó is. Talán a gyengédsége teszi, de itt már azért jobban lehet érezni a basszus meglétét. A témája a Kapitány útja a Hiperűrben, ahogy az N9 felé tart a flottájával. A szövege egyébként talán itt a legkevésbé illik az albumba, ez is egy pozitívabb ambientre hasonlít. Rögtön, ahogy elérik a célt, Ziltoid is utóléri őket, és a hajsza folytatódik az N9-nél is.
A stílszerűen N9-nek elnevezett dal a Ziltoidia Attaxx!!! témájával kezdődik, és az űrlény, Ziltoid felkiáltásával: "HAHA! Surprise!" Ez a nóta újra egy feszültebb hangulatú, sokkal inkább szintitémájú "Wall of Sound" féle, ahol az emberek szemszögéből kerül az N9 csatája bemutatva, és, ahol Ziltoid legyőzetik, de nem örökre. A gitár nagyon hasonlít az előző, durvább dalokéra, s már egy kicsit monoton lett, illetve a történet is leült.
Szégyenteljesen, legyőzve, Ziltoid végleg eldönti, hogy beveti a Planet Smashert, ami a következő dal címe is. Narrációval, illetve törzsi énekhez hasonlító "Zúzóhívó" introval kezdődik, egy lassabb, Strapping Young Lad témájú dobbal és gitárral. Itt Ziltoid újra Devin torzított hangjával jelenik meg énekben, kicsit hasonlít az Ayreon albumon lévő Rage szerepére itt, míg a Planet Smasher inkább a Punky Brüster-féle Cryptic Coroner űrváltozata. Ziltoid kijelenti, hogy ő akar az omniverzum ura lenni, majd gyávaságra hivatkozva a Planéta Zúzó megtagadja a kérését tőle, és utolsó, záró mondatként egy kis önironiát tett a nótába Devin Townsend: "And I hate musicals!". Azaz: "És utálom a musicaleket".
A következő szám nem dal, inkább egy átvezető, ahogy Ziltoid az Omnidimensional Creator-ral, azaz a mindendimenzionális tervezővel tárgyal. Viszont ezután vesz hatalmas fordulatot a történet. Az eddig megszokott brutalitással veti bele magát Devin a következő dalba, a Color Your World-be, ahol megtudjuk a választ Ziltoid igaz valójára... Dühös nóta, Devin végigordítja, illetve mintha a lábdob is keményebb lenne, mint bármikor. Igazi csúcspontja ez az albumnak, bár kissé monoton, és elég hosszú (9 perc), a történet miatt mindenképp érdemes odafigyelni rá. Ugyanis kiderül, hogy Ziltoid nem létezik. Ziltoid, a Mindentudó csupán egy bábu. A progresszívsége az albumnak talán ezen az albumon érződik a legjobban: rengeteg váltás, sok apróbb szólórész, viszont a vokál újra inkább ambientes. A középső rész lenyugodása után a legvégén, ahogy kiderül az igazság, újra egy brutálisabb, Loser-re emlékeztető Devin ordít a korongra.
A záródal, a The Greys egy újabb ambientszerű, lazább nóta. A dob szerintem a történethez, illetve a dal hangulatához túl erős, durva, viszont a gitártéma itt el lett találva. Ez a szám az, ahol tulajdonképp kiderül, mi is a valóság: az emlékek, gondolkodás visszatér, és eljutunk a Valóságba.
Ami az outro, azaz a Tall Latté nevű kávézó, ahol az egyik alkalmazott elszunyókált, és csak álmodta az egészet.
Devin Townsend újra fenomenálisat alkotott, ami a történetet és a nem szokványosat illeti. Ziltoid története egy újabb vicces darab a gyűjteményemben. Viszont zeneileg annyira nem vagyok vele megelégedve: kicsit fantáziátlan, illetve monoton. Látszik, hogy Devin azért (is) csinálta, hogy egy igazi bábshowt készítsen belőle, ami egyébként a MySpace oldalon követhető figyelemmel. Viszont az eddigi megjelent "részek" alapján az még egy hatalmas durranás lesz. Egyébként érdemes figyelni az egyik adást: Ziltoid felhívja a figyelmet arra, hogy "Vedd meg az albumot. Vagy töltsd le. Mit érdekel engem!"

Értékelés: 83 %

2007. június 16., szombat

Punky Brüster - Cooked on Phonics

Előadó: Punky Brüster
Album: Cooked on Phonics
Genre: Punk-Rock/Paródia
1996
Hevy Devy Records







Még jócskán egy dekáddal ezelőtt nem csupán a története miatt kajáltam volna meg ezt az albumot: tinédzserkorom kezdetén és derekán ugyanis éltem/haltam a punk és punkrock zenéért. Csak mára továbbtanulhat, mondhatjuk. Ma már inkább amiatt, amit mond és jelent. Ugyanis Devin Townsend paródiájában semmi metal nincs, csupán itt-ott véletlenül előkerül egy-egy durvább riff és váltás. Csupasz és tarajos punkzene az egész.
Egyébként a Cooked on Phonics egy remek koncepcióval rendelkező album: a története egy lengyel death metal zenekarról, és annak bűneiről szól, ugyanis a Cryptic Coroner nevű banda első - és utolsó - metal koncertjével kezdődik, ahol a feldühödött közönség lecsillapítása miatt igen hamar egy eladhatóbb, dallamosabb punkzenét kezdenek játszani. Ez a dal, a Recipe for Bait már tartalmazza mindazt, amivel az albumban fogunk találkozni: szarkasztikus humor, gúnyos narráció egy beszédhibás mesélőtől, illetve metal - helyett punkzene. A Recipe for Bait leginkább egy Green Day kopírozás, amire a zenekar beszélgetésének egy mondata is utal: "Think Green Day!" (Gondolj a Green Day-re!). A dalban erőteljesen kibukik a Cryptic Coroner-ből Punky Brüsterré vált zenekar célja és reménye, hogy a punkzenével majd jól megszedik magukat, és ezt a fordulatot inkább viccesnek tartják, mint komolynak.
A második dal, a Fake Punk is ugyanezt az elvet követi. Meg kell mondani, hogy én ezt tartom az egyik legjellegzetesebb paródiájának a stílusnak, illetve a legjobbnak. Sok maguk által igazi punknak tartott embert ől is hallottam, hogy mekkora egy nóta ez... Mintha nem hallották volna a szövegét, ugyanis még durvábban folytatja azt a tendenciát, hogy a punk semmi, de pénzt keresni jó.
A harmadik nóta, az EZ$$ is a punk dalok könnyűségéről szól, illetve arról, milyen egyszerű egy ilyen nótát összedobni. "It took 2 minutes, to place three laying riffs together", azaz "Két percbe tellett, míg három könnyű riffet összehangoljak". Igazából itt nem a nóta a legviccesebb, hanem a szám végén lévő narráció, a párbeszéd a zenekar régi, metal menedzserük, és maguk a tagok között. A poénja hatalmas, és durván a stílusok sztereotípiájukra épül. A lényege, hogy a menedzserük nem bírja elvetni a metal vénáját.
Ebből a dilemmából indul ki a következő dal, a Metal Dilemma. Ebben a nótában van egyedül jól hallható metalosság, bár ez se több, mint a Die Toten Hosen keménysége, szóval nem kell heavy metal remekművet várni, viszont Devin Townsend jól eltalálta a habozás, dilemmázást a megfelelő vegítésével a stílusoknak.
A következő szám, az Oats Peas Beans & Barley a második igazán punkos dal. Chris Valagao személyében vendégmuzsikus is próbál énekelni, bár valami nem túl tiszta hadaráson több nem sikerül. Rövid, pörgős dal - bár ez majdnem az egész albumra el lehet mondani.
A Wallet Chain, az ezt követő dal pedig már arról szól, hogy minden punk próbál minél "hardcore"-abb lenni, és nem csak belül és a zenével, hanem külsőleg is. Így Dr. Skinny (alias Devin Townsend) rendel magának egy nadrágláncot. Nem túl nagy nóta, viccesnek se mondanám, azért a paródiaszándék érződik rajta.
Mivel a punkzene népszerű, ezért ezt ki is kell használni. Ha különböző díjakat osztogatunk a zenészeknek, kelendőbbek lesznek. De ha már amúgy is elég híres, akkor még többet ér valami picike díjazás: még több pénzt hoz a konyhára. Az MTV korában a Granny-díj (eredetileg ugye tudjuk, hogy Grammy) a legnagyobb dolog a zenészek között. A Punky Brüstert - habár még albumuk nincs, és csak néhány hete zenélnek együtt - pedig jelölték Punk kategóriában. A következő dalban ennek a feszültségét vezetik le. A Heinous Anus egy feszültebb hangulatú nóta. A címét inkább nem fordítom le, de utal rá, hogy mi is történik az ideges emberi szervezettel. Öröm az ürömben, hogy mindenben van jó. Dr. Skinny megismerkedik a groupiek világával, s bár a punkasszonyokat nem csípi, mégis, akinek karika van az orrában, az elég metalcsaj neki. És meg is találta a Nagy Őt.
A Heavy Metal Mama erről szól: a fellángoló szerelem, és a naívság, hogy egy pici metal van abban a nőben. Ez a másik nóta, amibe valamennyi metal elem került, pont emiatt az új kettősség miatt. Dr. Skinny-nek viszont nem igazán sikerült úgy a randevú, ahogy szerette volna, ugyanis a nő, ahogy meglátta a metal posztereket és metal könyveket a szobájában Dr. Skinny-nek, dobja. Pedig Devin Townsend karaktere mindent megtett azért, hogy bemagyarázza, hogy az punk és anarchia. Ekkor került sor pálcatörésre...
A kilencedik dal, a Crusty's At The Ivanhoe egy teljesen érthetetlen, igazából feldúltnak tűnő nóta. Dr. Skinny épp próbálja elfelejteni az incidenst, és csak a punk feladatára és küldetésére koncentrál, ugyanis következő nap megejtik azt a bizonyos Granny kiosztót. A Crusty's dal se mondható többnek, mint egy erőteljes paródia. Bár én jobban örültem volna, ha érthető lenne, persze azt is megértem, hogy nem volt célja Devinnek, hogy érthetőnek írja meg a dalt. A szám végén "megejtik" a narrációban a kiosztót. Meglepő, de a punk kategóriában a következők alapján díjaztak: hajszín, testékszerek száma, anarchikus tartalmak, és természetesen technikai dolgok, amiket jobb, ha nem tudunk.
A tizedik dal eredetileg csak egy nóta lenne, de egy későbbi kiadásban már közel se az album zárópontja. A Picture of Myself újra egy Green Day szerű, lassabb, kicsit balladaszerű nóta. A narráció előtt, hogy egy utolsó pofont adjon Devin a hallgatóságnak, a Punky Brüster elővette a régi, Cryptic Coronerségét, és hörgős-brutális-metalos befejezéssel hagyja ott a Granny kiosztó színpadát. Viszont a bővített kiadásban már van három bónusz punkdal a rajongóknak. Ezek már egyáltalán nem kapcsolódnak a történethez - talán kicsit a Picture of Myself után következő The Girls Next Door része még a cselekménynek. Ez a dal már teljesen egy Ramones paródia, illetve belefért még egy cseppnyi Bad Religion is.
A következő, Larry's O már inkább a dallamos poprock zenét parodizálja ki, természetesen szövegileg - ha nem is kapcsolódik már a történethez - teljes mértékben anarchikus. A dal közepén poénként először egy utalás van Bryan Adamsra, illetve a zenei stílusára, majd a végén Devin beszélve elmondja a Punky Brüster album készítésének körülményeit.
Záróakkordként pedig a Ramones "Sheena is a punkrocker" dal Devin változatát adják elő Metal Heads are punk rockers címen.
A Cooked on Phonics album tehát egy jó tükör a mai divat, illetve "pénzcsináló" zenei világnak. Valószínűleg megtörtént eseményről lehet szó, ugyanis nem egy olyan zenekarról, előadóról tudunk, aki inkább feladta az elveit és a személyiségét, csak azért, hogy sikeres és gazdag lehessen. Ahogy a narrátor is mondja a Picture of Myself után:
"Az a zene, amely megmozgat és valamit éreztet veled, könnyen feláldozható azért, hogy könnyen eladható szart csinálhass a mindenható dollár kedvéért".

Értékelés: 85%